Tutorial: El rotulador

Fue un japonés llamado Yukio Horie el que inventó el rotulador allá por el año 1962.

Era la búsqueda de alternativas a la escritura con pluma en la tradición japonesa.

Más tarde, los rotuladores fueron lanzados al mercado con gran éxito. Y este éxito es debido a su fácil utilización, a su precio asequible, a su permanencia, a la durabilidad, a los diversos trazos que se consiguen, etc.

El invento es bien sencillo, y no por ello falto de interés. Se trata de un cilindro de fibra (fieltro o similares o fibras de nylon) empapado en tinta, cuya terminación acabada en punta de diferentes tamaños nos servirá para realizar los trazos (las hay desde 0,5 mm hasta 4 cm). También existe la punta de bolita muy similar a la del bolígrafo.

Esta fibra empapada en pintura está protegida por un armazón de plástico, siempre con tapadera y tapón, ya que sin ellos mancharían cualquier cosa con la que se pusieran en contacto. Respecto a las tintas utilizadas, rudimentariamente se empezó por los tintes para bombillas, pero eran poco resistentes a la luz. Actualmente existen por ejemplo los rotuladores de témpera, la tinta Inferno, la Industrial, tintas permanentes (para dibujar sobre cristal u otras superficies no porosas).
La masiva producción ha hecho que su costo sea muy bajo como hemos dicho anteriormente.

Y en el mundo del arte, el rotulador no ha pasado desapercibido. sus colores brillantes y demás características son muy aprovechables para los dibujantes de cómic, manga, etc. También para realizar bocetos (tanto para pintores, ilustradores, modistas, diseñadores, etc) y por supuesto para obras terminadas que pueden llegar alcanzar calidad estupenda.

Hay que señalar que para conseguir ilustraciones "importantes" con rotuladores, hace falta bastante práctica, pero a diferencia con otras técnicas, ésta es de secado inmediato, por lo que podemos adquirir habilidad a bajo coste y con resultados inmediatos.

Por ejemplo, los rotuladores Copic nos sirven para ilustrar este tema.

El sistema de marcador rotulador profesional COPIC, con su amplia gama de accesorios, sienta altas normas desde un principio. Con el opacador neutro COPIC se pueden absorber uno o varios colores. Según la cantidad de color absorbido se pueden generar pasos de colores cortos o largos. Sin colores, el opacador sirve para aclarar partes oscuras o para poner luces.

La codificación sistemática de los rotuladores Copic,con letras y números en las tapas coloreadas a ambos lados, facilita la identificación de los colores.

El rotulador COPIC dispone de una punta ancha y de una fina. Además hay siete puntas de recambio a disposición para diferentes aplicaciones.

Son de gran calidad, y con una gama de colores realmente impresionantes, vean:





Otra marca a destacar es Stabilo:

Schwan-STABILO es un fabricante alemán de bolígrafos, lápices de colores, cosméticos así como marcadores fluorescentes para uso de oficina. Es el fabricante más grande de marcadores fluorescentes, el Stabilo Boss.La compañía fue fundada con el nombre de Grossberger y Kurz Bleistiftfabrik (compañía de lápices) en Núremberg en 1855 y fue adquirida por la familia Schwanhäusser en 1865. Tomando la primera parte del apellido, la compañía fue re nombrada Schwan Bleistiftfabrik y comenzó a usar el logo del cisne como una de las primeras marcas registradas. En los años 30, se amplió hacia los lápices cosméticos y esta parte del negocio se ha convertido en un elemento significativo de la compañía desde los años 70. En 1967 comenzó una empresa conjunta de Alemania-Malasia llamada Swan Malaysia Sdn Bhd en Malasia. La compañía cambió su nombre a Schwan-STABILO en 1976 y a STABILO International en 2005. Tiene tres fábricas de bolígrafos, una en Weißenburg en Bayern, Alemania, una en Johor Bahru, Malasia, y desde 1991 una en Český Krumlov, República Checa. Los lápices cosméticos son fabricados en la sede de la compañía en Heroldsberg, Alemania y en la República Checa y vendidos como productos OEM, pero no bajo la marca STABILO. En 2006 el total de empleados era de 3000 personas, y la compañía gano 260 millones de euros ese año. STABILO introdujo los marcadores fluorescentes para resaltar en 1971 y es el líder del mercado europeo en esta categoría de productos. (Fuente: Wikipedia)

Pueden ver este vídeo estupendo sobre la fabricación de rotuladores Stabilo:





Actualmente existen rotuladores para porcelana, muy interesantes para los amantes de la manualidades. Se pinta sobre la porcelana y después se mete la pieza al horno para fijarlos. La marca Marabú los comercializa. También hay rotuladores para pintar sobre cristal, madera, tela, etc.

También están los rotuladores FLY&FLOT con efecto relieve, muy interesantes los productos de la marca Pebeo.


Seguidamente les muestro un vídeo sobre Pilot Pen, una de las mayores marcas mundiales en la fabricación de rotuladores del mundo:


Espero que les guste y se animen a utilizarlos.

El arte bajo el mar

Cada día podemos sorprendernos con actividades creativas nuevas, con personas que buscan pintar de forma diferente. En este caso, pintar bajo el agua, del mar. Sorprende cómo puede ingeniárselas una persona para afrontar un reto, tal vez algo absurdo, pero sin duda original. No estamos hablando de pintar fondos submarinos, sino de pintar sumergiéndonos nosotros y todos los utensilios.

En la Feria anual de submarinismo de Cornellá hay un espacio para "pintosub".

Ya André Laban, miembro de la tripulación del Calipso de Cousteau desde hace cuarenta años, utiliza la técnica de la pintura al óleo.
Su único truco está en la tela, la cual recubre con grasas especiales para impermeabilizarla. Ya dentro del agua, usa una espátula para trazar sus paisajes a través de una pintura "plomiza que evita que suba a la superficie" que obtiene de la mezcla de óleo con densos y pesados materiales.
Varios quilos de plomo es lo que necesita Laban para que sus caballetes no floten. Los apoya sobre la arena o sobre una roca y empieza su labor. El pintor dice que para encontrar la suficiente luz hay que trabajar entre 15 y 20 metros de profundidad.
Sus paisajes subacuáticos se han expuesto en distintos puntos del planeta. Y aunque no es el único, son muy pocos los artistas que como él encuentran la inspiración en las profundidades del planeta.
Veamos algunos de sus cuadros:



Uno de los pintores españoles en esta modalidad insólita es Alfonso Cruz,: "Alfonso Cruz se sumerge en el mar y pinta en directo escenas submarinas. Reune dos cualidades imprescindibles: es un buceador profesional y un reconocido pintor con gran dominio de la técnica.
El artista transporta hasta la orilla un lienzo normal previamente impermeabilizado con una capa de clorocaucho. Esto permite que la pintura al óleo se adhiera dentro del agua sin problema, mediante una pequeña espátula. El óleo no se disuelve."

Veamos también uno de sus cuadros:


En otro orden de cosas relacionadas con el arte y el mar, también existen Museos Subacuáticos como el de Cancún, el MUSA, pasen y vean:



El museo subacuático fue promovido principalmente por las asociaciones náuticas y por grupos civiles preocupados por la conservación de los arrecifes de coral que rodean toda la costa del estado de Quintana Roo, pero en especial el balneario de Cancún.
Las preciosas esculturas son de hormigón de PH neutro, lo que se espera será un buen soporte para las algas y corales.




Si desean más información sobre estos museos, visite la Lista de museos subacuáticos de la UNESCO. Y el artículo sobre Museos subacuáticos del mundo.

¿Sabían que Rafael Alberti tituló uno de sus famosos poemas "Para un pintor submarino?"., fue en Los hijos de Drago y otros poemas. Lo adjunto porque es relamente hermoso:

"El mar. La mar. ¡Solo el mar!
El amigo mar, tu amigo,
lazos rizados de espumas,
lengua de arena, me ha dicho:
Redes de sedas las manos,
pincel de ojos sumergidos,
vara de música azul,
sondeando los abismos.
(.......)
El mar en su fondo duerme
los silencios submarinos,
en sus cielos las estrellas
arden con oscuros signos.
(...)
El mar, la mar. ¡Solo el mar!
Tu amigo. Tu mar amigo.
¿Qué no subiras del mar,
de tus develos marinos?
Sueños, colores y formas,
oasis, azules, abismos."

Y como siempre que es posible, unos vídeos. El primero es del pintor Jorge Riva.
El segundo es de André Lavan, para conocerle algo mejor a él, la técnica y su capacidad creativa. Y el tercero es de Alexander Belozor.

Espero que les guste y pasen buena semana.

San Valentín

Caravaggio, maestro del tenebrismo italiano, pintó este fantástico cuadro de San Valentín. Lo muestra como un ángel adolescente, desnudo y juguetón que sostiene en su mano las conocidas flechas con las que "tocará" a los enamorados.

Hoy es día de San Valentin, para muchos una celebración puramente animada por motivos comerciales, pero no es mal momento para recordar su historia:

La voz popular ha hecho de este santo el patrón de los enamorados, posiblemente porque durante estas fechas en los países nórdicos los pájaros se aparean o porque, según una tradición, en el tiempo en que vivió san Valentín, en el cual la religión cristiana estaba perseguida, él, a escondidas, casaba a las parejas bajo el ritual de la Iglesia. Algunos creen que es una fiesta cristianizada del paganismo, ya que en la antigua Roma se realizaba por este tiempo la adoración al dios del amor, cuyo nombre era Eros y a quien muchos simpáticamente le han pasado a llamar Cupido. También, y hace muchos siglos, fue tradicional en Inglaterra (se calcula que en los siglos XVII y XVIII) la "fiesta de los valentines", donde se elegían a hombres y a mujeres para formar pareja. Sea como fuese, San Valentín casi por sorpresa suya, es el patrón de todos los enamorados y de todas aquellas personas que quieren tener a una amiguita o a un amiguito para que les acompañe no solamente en ir al cine, a la discoteca o bien a cenar, sino también para formar una familia "ser felices y comer perdices".

San Valentín goza de mucha popularidad sobre todo en los países de habla inglesa: Estados Unidos y Gran Bretaña y también en buena parte de todo el continente europeo. Desgraciadamente, los grandes centros comerciales aprovechan para hacer del 14 de febrero (fecha de la onomástica del santo) un gran dia de consumismo, al estilo de la Navidad, y una semana antes de la fiesta ya anuncian todos sus productos como si fuera el fin del mundo.

¿Pero... quien fue San Valentín? La verdad es que hay muy poca cosa de él. Sabemos que era un sacerdote que nació en Roma a mediados del siglo III y que gozó de un gran prestigio en aquella ciudad hasta el punto que el emperador Claudio II lo invitó a su palacio para mantener una conversación y conocer de esta manera el porqué de su fama. Según la tradición, Valentín aprovechó aquella ocasión para hacer "propaganda" de la religión cristiana y convencer al emperador para que siguiera los pasos de Jesús. Aunque en un principio Claudio II se sintió atraído por aquella religión que los mismos romanos perseguían, los soldados y el propio Gobernador de Roma, Calpurnio, le obligaron a desistir y organizaron una campaña en contra de nuestro santo. Claudio no tuvo más remedio que hacer marcha atrás y mandó a Calpurnio que lo procesara. Pero aquella misión la llevaría a cabo el lugarteniente del gobernador, Asterius. Cuando fue llevado ante él, éste se mofó de la religión cristiana y puso a prueba a Valentín. Bajo un tono de burla, le preguntó si sería capaz de devolver la vista a una hija suya que era ciega de nacimiento. Valentín aceptó y en nombre del Señor obró el prodigio. Asterius y toda su familia se convirtieron al cristianismo, pero Valentín no se salvó del martirio, ya que temiendo una rebelión del ejército romano y de los paganos, el emperador lo mandó ejecutar. Era el año 270.

Los restos mortales de San Valentín se conservan actualmente en la Basílica de su mismo nombre que está situada en la ciudad italiana de Terni. Cada 14 de febrero se celebra en dicho templo, una acto de compromiso por parte de diferentes parejas que quieren unirse en matrimonio al año siguiente.

Si desea más información, pinche sobre la imagen

Y tanto para los que crean en el santo, como para los que no, una bonita canción:

Espero que les guste

Scott Waddel: clases magistrales de pintura

Scott Waddel es un joven pintor norteamericano que se formó en la escuela de Jacob Collins, del que ya hemos hablado en este blog. Actualmente, además de ser un retratista y pintor de gran reputación, también es profesor de la escuela en que se formó Grand Central Academy of Art in New York City.

Aquí les muestro alguno de los retratos que muestra en su web:





Sus pinturas rozan la perfección fotográfica, tal vez en exceso para algunos, pero está claro que tiene un dominio absoluto del dibujo y la pintura al óleo, eso es indiscutible.

Pero lo que realmente quiero recomendarles hoy, son los llamados Webisodios que ha creado: pequeñas clases magistrales en vídeo publicadas en su blog. Para todos los interesados en el dibujo y la pintura al óleo son piezas realmente interesantes. Aunque están en inglés, si usted no lo habla, no se preocupe, ya que se entiende muy bien el mensaje, ya que son imágenes claras e ilustradas perfectamente.

Hasta el momento ha editado cuatro vídeos que pueden ver en el blog de Scott Waddel.

Espero que les guste.

Piero de la Francesca

Muchos amigos de este blog, lo siguen porque les gusta el arte. Yo también sigo blogs que me van descubriendo facetas interesantes de la historia del arte, uno de los mejores es sin duda el blog esditado por Paco Hidalgo: ARTE TORREHERBEROS, el cual les recomiendo.

Con el permiso de Paco Hidalgo, copio el completísimo post que publicó sobre Piero de la Francesca y se lo acerco a todos ustedes:

Madonna de Sinigaglia. Óleo sobre tela (31 x 28 cm.). 1470-85.
Palacio Ducal de Urbino.


Piero della Francesca nació entre 1410 y 1420 en Borgo San Sepulcro, cerca de Perugia y murió en el mismo lugar en 1492. Era hijo de una familia de mercadores, con un padre rico comerciante de paños (de ahí que supiera matemáticas, cálculo, álgebra y geometría) y madre noble. Aprendió la pintura con maestros como Antonio de Anghiari, Doménico Veneziano y Fra Angelico, aunque su estilo y su camino pictórico distará mucho del maestro de Fiésole. Parece que se quedó ciego en los últimos cinco años de su vida y un lazarillo le llevaba de las manos por esta pequeña ciudad de la Umbría italiana. Fue un pintor itinerante, trabajando en distintas cortes italianas, algo así como también le ocurrió a León Alberti. No hizo ninguna obra para la cuna del arte del momento, Florencia.

Es un pintor solemne, que prefiere formas simplificadas y estudios de juegos de luz. En su pintura se conjugan lo científico y experimental con la claridad intelectual. Su pintura se basa en la perspectiva y el volumen de sus figuras para hacerlas intemporales. Le da igual que sea un personaje humano o divino pues a todos los trata por igual. Sus figuras tienen aires clásicos, serenos. El color lo utiliza para construir las figuras y todo ello enmarcado por una gran luminosidad con predominio de blancos sobre los que destaca los colores vivos de sus figuras. En la pintura de Piero della Francesca la configuración de un nuevo modelo clasicista desplazó la presencia de lo expresivo y se convirtió en el argumento prioritario de su obra. Sus composiciones se ofrecen concebidas como imágenes estructuradas con un nuevo sentido del orden.

Después de una época juvenil de formación en contacto con varios maestros sieneses del gótico final, entró en relación con la corte de Urbino hacia 1445. El duque de Urbino, Federico de Montefeltro, gobernaba sus estados como un príncipe ilustrado amante de las artes y las letras, haciendo una encomiable labor de mecenas: Su palacio lo hizo Luciano Laurana y allí fueron llamados Paolo Ucello, Piero de la Francesca y Melozzo da Forli.

La flagelación de Cristo. Óleo y temple sobre tabla (59 x 82 cm.). 1445?
Galería Nacional de las Marcas. Palacio Ducal de Urbino.


De esta primera época destacan un importante grupo de obras de Piero. Tal vez la primera fuese el "Políptico de la Virgen de la Misericordia", encargada por la cofradia de la Misericordia de Borgo San Sepulcro. El tema reproduce un gesto usual de la iconografía del gótico internacional, como es la Virgen protegiendo con su manto a los devotos, pero apararecen las nuevas características del Renacimiento y del pintor en la dignidiad y calma impresionantes que irradia la tabla, la monumental colocación de las figuras en el espacio y la paz admirable y seguridad que aporta a los admiradores de la virgen. Otro cuadro de la misma época, "La Flagelación de Cristo" es un auténtico ejercicio de perspectiva, que utiliza elementos de la arquitectura de León Alberti. En el espacio cristalino definido por las columnas, los arquitrabes y el mosaico del suelo, Piero sitúa unos personajes típicamente suyos, en los que ha reprimido su pasión, su amargura y su violencia para que queden sólo como monumentos llenos de dignidad en un espacio increíblemente serenos.

El bautismo de Cristo. Temple sobre tabla (167 x 116 cm.). 1445.
National Gallery. Londres.


Aunque también se trata de una de sus primeras obras (realizada entre 1440 y 1445), El Bautismo de Cristo acusa el evidente interés del artista por las matemáticas y por un orden compositivo fundado en un concepto de la armonía y de la proporción basado en las leyes de la geometría y hacia la plasmación de unos modelos que definen un nuevo clasicismo abstracto e ideal. La atmósfera de la pintura está empapada de una misteriosa serenidad y logra plasmar toda la austeridad, el equilibrio y la perfección de un cuerpo geométrico o una ecuación matemática. La composición se basa en el cuadrado (la mitad del círculo que representa a la tierra) y en el círculo (arco de medio punto superior que es el cielo). La figura de Cristo está ubicada en el centro del cuadrado; a la derecha se encuentra San Juan Bautista. La clara tonalidad del cuerpo semidesnudo del personaje que va a recibir el sacramento, se equilibra con el tono de uno de los ángeles de la izquierda, Entre el tronco del árbol y la cintura de Cristo, el artista ha representado Borgo San Sepulcro, trasladando deliberadamente a un paisaje toscano el bautismo de Palestina, para acercar de este modo la leyenda a sus paisanos.

Alrededor de 1450, Piero trabajó en Ferrara y en Rímini. En Ferrara dejó pinturas que influirán en pintores como Cosme Tura o Andrea Mantegna. En Rímini pintó un impresionante Retrato de Segismundo Malatesta, arrodillado a los pies del santo patrón, que todavía figura hoy en el Templo Malatestiano de Rímini, en el que León Alberti hizo la fachada.



Historias de la Santa Cruz: Descubrimiento y prueba de la Vera Cruz.
Pintura mural al fresco.
Iglesia de San Francisco de Arezzo.

Historias de la Santa Cruz: Batalla entre el emperador Heraclio y Cosroes.
Pintura mural al fresco (329 x 747 cm.). Iglesia de San Francisco de Arezzo.


Poco más tarde, a partir de 1452, inició la más importante de sus obras: la decoración del ábside con las Historias de la Santa Cruz de la Iglesia de San Francisco de Arezzo, considerada como una de las obras maestras de la pintura universal. En el muro del ábside aparecen los diez episodios extraídos de la Leyenda Dorada. Según una antigua leyenda medieval, la historia de la Vera Cruz comienza en el mismo momento en que los hijos de Adán , al dar sepultura a su padre, colocan bajo su lengua la simiente del árbol, de cuya madera se haría luego la cruz de jesús. Éste árbol fue talado por Salomón y su tronco utilizado en la construcción del puente que salvaba el estanque situado delante de su palacio. La reina de Saba lo reconoció cuando visitaba Jeresulén y sobrecogida de respetuosa reverencia, no osó holarlo con sus pies, sino que lo adoró devotamente. El ciclo continua con las escenas que siguen a la resurrección de Cristo: el descubrimeinto de la reliquia por Santa Elena, el famoso sueño de Constantino la noche anterior a la batalla con Majencio, la batalla del Puente Milvio (composición expresamente caótica, en la que se entremezclan los caballos, los jinetes, las lanzas y otras armas, donde el pintor expresa el violento tumulto de la batalla, sobre la que prevalece la bandera co el signo de la cruz), su pérdida a mano de los persas, que con su rey Cosroes toma Jerusalén y roba la cruz y su recuperación por el emperador Heraclio que, con ella a cuestas, hace su entrada en Jerusalén. En el encuentro de Salomón con la reina de Saba, Piero alegoriza la unión entre la iglesia Romana y la Griega.
En todo este ciclo la tendencia del pintor por la simplificación de los objetos y el orden compositivo se desarrolla de una forma radical, mientras que la luz, intensa y diáfana, acentúa el carácter reducido y elemental de los volúmenes.

Historias de la Santa Cruz: La reina de Saba delante de Salomón.
Pintura mural al fresco.
Iglesia de San Francisco de Arezzo.

La obra gigantesca del ábside de San Francisco de Arezzo debió ocupar a Piero durante siete u ocho años (1452-1460). En este período pintó diversas obras muy pocas de las cuales han llegado hasta hoy, tales como La Madonna del Parto (conservada en el pueblecito de Monterchi) y la Santa María Magdalena de la Catedral de Arezzo. Estas dos obras presentan el tipo de mujer característico de della Francesca: no se trata de la patricia florentina de Botticelli, de carnes exquisitamente fatigadas, sino una mujer alta, de nariz recta, robusto cuello y ancha frente, despejada, de cabellos recogidos cuidadosamente por la toca. Piero della Francesca, cuando no hace retratos se vale siempre de este mismo tipo, bastante impersonal, como llevado por el deseo de no cansar la atención. Estos cuerpos femeninos son ante todo volúmenes sólidos situados en el espacio. Así, la figura de la Magadalena sigue el modo escultórico de la pintura de Massaccio, quien concibe el cuerpo humano como volumen espacial.

Madonna del Parto. Pintura mural al fresco (260 x 203 cm.). 1460.
Museo de la Madonna
del Parto. Monterchi.


De la misma época es su obra Resurrección de Cristo, del Palacio Comunal de Borgo San Sepolcro. En esta obra el artista ha conseguido congelar en el tiempo el prodigio, con un aura de eternidad. Cristo apoya un pie sobre el sepulcro, mientras los guardianes, ajenos al contecimiento dormitan. El rostro echado hacia atrás del guardián se interpreta como un autorretrato.

La resurrección de Cristo. Pintura mural al fresco (225 x 200 cm.). 1463.
Museo Cívico del Palacio Comunal de Borgo San Sepolcro.

En el último grupo de sus obras, pintadas a partir de 1465, Piero parece interesarse por el individualismo humanista. El Doble retrato de los duques de Urbino muestra los perfiles de Federico de Montefeltro y de su esposa Battista Sforza, con el carácter irreductible de la personalidad y las diferencias profundas que separan a los seres humanos. Quizás hayan influido en el psicologismo que aparecen en las obras de vejez de Piero, el hecho de que se trata de pinturas al óleo sobre tabla (y no de murales). Jamás se habían unido como en el retrato de Battista figura y paisaje con tan extraordinaria armonía de atmósfera y luz. Los colores, luminosos y firmes, conceden a esta dama la solemne inmovilidad de una imagen sagrada. Los colores, luminosos y firmes, conceden a esta dama la solemne inmovilidad de una imagen sagrada. En Cuanto al retrato de Federico, se sabe que éste tenía el rostro desfigurado a causa de un accidente sufrido en un torneo, pero en el retrato de perfil oculta el perfil derecho y parece como si el duque no hubiera perdido uno de sus ojos. En ambos retratos el paisaje del fondo dista mucho de ser el habitual telón de fondo sin conexión con el primer plano. Muy al contrario, es a través de la luz, la gradual disminución de la precisión de los contornos y la transición de una gama cálida a otra fría a medida que se avanza hacia el fondo.

Doble retrato de Federico de Montefeltro y Battista Sforza. Óleo sobre madera (47 x 33 cm.). 1465-72.
Galería degli Uffizi. Florencia.

Las últimas obras de Piero fueron pintadas en el decenio 1470-80, en el que el pintor residió con frecuencia en Urbino: la Madonna de Sinigaglia, la Natividad y la Virgen y santos con Federico de Montefleteltor (también llamada Pala Brera). La Madonna de la Sinigaglia es una de las obras más hermosas del artista y nos sorprende por la capacidad de armonizar lo monumental con lo íntimo. Encontramos en ella influencia flamenca de la técnica de las veladuras al óleo, destacando el preciosismo de las joyas y la luz que se filtra por la ventana. Esta Virgen ejemplifica la tipología femenina qu representaba Piero della Francesca y que se caracterizaba por figuras robustas, con volumen y poderoso cuello, que ocupan todo el espacio compositivo.

En la Natividad de la National Gallery de Londres, la Virgen fina, estilizada, de barbilla puntiaguda, se aleja del tipo femnino al que Piero daba preferencia, y el conjunto de la obra demuestra que el artista se aleja de la abstracción para entregarse a la observación del detalle, de la anécdota (flores, adornos, joyas...).

En la Pala Brera, junto al retrato de Federico de Montefeltro, en fundado en su reluciente armadura, se vuelve a encontrar la deliciosa geometría infantil de la Flagelación de Urbino. Diez personajes, que parecen captados más allá del tiempo en una atmósfera de eternidad, forman un semicírculo en torno a la Virgen y tras ellos un ábside que sostiene una bóveda de cañón acasetonada y una momunental concha de mármol. Detalle estremecedor por su misterio: un huevo de avestruz pende de un hilo en el centro del espacio, exactamente sobre la cabeza de la Virgen. Ha sido considerado como símbolo oriental de la creación, pero también símbolo renacentista del espacio cerrado. Una luz imposible por su diafanidad cae sobre los personajes, sin mancharlos con sombras.
Es curioso resaltar como tanto en la Madonna de la Senigallia como en la Pala Brera, el espacio aparece determinado por la escenografía arquitectónica, pero es la luz la que lo expresa y lo convierte en un espacio metafísico o ideal en clara contraposición con otras aplicaciones de la luz orientadas a configurar un espacio en conexión con lo real.

Pala Brera o Virgen y santos con Federico de Montefeltro. Óleo sobre madera (248 x 150 cm.). 1472.
Pinacoteca Brera. Milán.

Anciano, enriquecido por tantas experiencias, della Francesca se retiró al final de su vida al pueblo donde había nacido. Allí escribió, antes de quedarse ciego, dos tratados en latín sobre perspectiva y geometría, que eran el resultado de una larga meditación que había durado toda su vida.

Paco Hidalgo

Les adjunto unos vídeos:




Javier Krahe, hizo una canción llamada Piero de la Francesca, una anécdota simpática que les invito a escuchar:



Espero que les guste, buen fin de semana para todos, especialmente para Paco H.

Retratos de Isabel I de Inglaterra

El reinado de Isabel I de Inglaterra, destaca tanto por el momento histórico que cambió el rumbo de Europa, como por su singular vida privada.

Isabel I, soberana de un carácter y un talento arrolladores, sintió una aversión casi patológica por el matrimonio y quiso ser recordada como la "Reina Virgen", aunque de sus múltiples virtudes fuese la virginidad la única absolutamente cuestionable.

Hija de Enrique VIII y Ana Bolena El monarca sufrió una terrible decepción tras su nacimiento. Su hija Isabel fue declarada bastarda y quedó en la misma situación que su hermanastra María, hija del primer matrimonio Enrique VIII con Catalina de Aragón y diecisiete años mayor que ella. Ambas fueron desposeídas de sus legítimos derechos hereditarios al trono de Inglaterra.

En 1543, poco antes de la sexta boda del rey, los decretos de bastardía de María e Isabel fueron revocados y ambas fueron llamadas a la corte; los deseos de Catalina Parr tenían para el viejo soberano rango de ley y ella deseaba que aquellas niñas, hijas al fin y al cabo de su marido y por lo tanto responsabilidad suya, estuviesen en su compañía.

Hija y hermana de reyes, acostumbrada a enfrentarse a las adversidades y a mantenerse alejada de las conjuras, Isabel I ocupó el trono a los veinticinco años de edad., tras muchos avatares respecto a la sucesióin.

En el terreno religioso, Isabel I restableció el anglicanismo y lo situó en un término medio entre la Reforma protestante y la tradición católica.

En 1588, después de que Drake atacara las costas gallegas para evitar las concentraciones de navíos, se hicieron a la mar 130 buques de guerra y más de 30 embarcaciones de acompañamiento, tripuladas por 8.000 marinos y casi 20.000 soldados: era la Armada Invencible, a la que más tarde, según los planes, debían apoyar los 100.000 hombres que tenía Alejandro Farnesio en Flandes. Los españoles planteaban una batalla al abordaje y un desembarco; los ingleses, en cambio, habían trabajado para perfeccionar la guerra en la mar. Sus 200 buques, más ligeros y maniobrables, estaban tripulados por 12.000 marineros, y sus cañones tenían mayor alcance que los de los españoles. Todo ello, combinado con la furia de los elementos (pues los barcos españoles no eran los más adecuados para soportar las tempestades del océano) llevaron a la victoria inglesa y al desastre español.

La reina frente a la Armada Invencible

La reina Isabel I, que había arengado personalmente a sus tropas, fue considerada la personificación del triunfo inglés e incrementó el alto grado de compenetración que tenía ya con su pueblo. Tras este momento culminante de 1588, los últimos años del reinado de Isabel I aparecen bastante grises; en ellos sólo sobresale la preocupación de la reina por poner orden en las flacas finanzas inglesas; la rebelión irlandesa, pronto sofocada; y el crecimiento del radicalismo protestante.

Pese a que una de las constantes de Inglaterra en la época de Isabel I fueron los conflictos dinásticos, la reina nunca contrajo matrimonio.

Isabel I en un retrato atribuido
a George Gower (c. 1590)

Hacia el año 1598, Isabel parecía, según expresión de un mordaz cortesano, "una momia descarnada y cubierta de joyas". Calva, marchita y grotesca, pretendía ser aún para sus súbditos la encarnación de la virtud, la justicia y la belleza perfectas. Poco a poco fue hundiéndose en las sombras que preludian la muerte. La agonía fue patética. Aunque su cuerpo se cubrió de úlceras, continuó ordenando que la vistieran lujosamente y la adornaran con sus ostentosas joyas, y no dejó de sonreír mostrando sus descarnadas encías cada vez que un cortesano ambicioso y adulador la galanteaba con un mal disimulado rictus de asco en sus labios. Falleció el 24 de marzo de 1603, después de designar como sucesor a Jacobo VI de Escocia y I de Inglaterra, hijo de María I Estuardo, lo que se inició el proceso de unificación de los dos reinos. Su último gesto fue colocar sobre su pecho la mano en que lucía el anillo de la coronación, testimonio de la unión, más fuerte que el matrimonio, de la Reina Virgen con su reino y con su amado pueblo.

Fuente: Biografías y vidas

Una reina muy retratada: A continuación les muestro alguno de los muchos retratos que se le hicieron a la reina.

A continuacion citamos algunas de las interpretaciones más representativas que se han realizado de la reina:

- La primera actriz que interpretó en el cine a la reina Isabel I de Inglaterra fue la mítica Sarah Bernhardt en un cortometraje del año 1912 titulado Los Amores de la Reina Isabel.

- Bette Davis la interpretó en dos películas "La Vida Privada de Elizabeth" en el año 1939 y bajo la dirección de Michael Curtiz y "El Favorito de la Reina" en el año 1955 en donde fue dirigida por Henry Koster.

- Otra actriz extraordinaria, Glenda Jackson la ha interpretado dos veces, en la miniserie "Elizabeth R" (1971) y en la película "María, Reina de Escocia" (1972). La miniserie "Elizabeth R" constaba de seis episodios de 90 minutos de duración y en ella se reflejó el cambio en la personalidad de Isabel I, que pasó de ser una mujer muy frágil a una de extraordinario carácter. Para los expertos "Elizabeth R" es el mejor retrato que se ha realizado sobre la reina.

- Judi Dench hizo una breve interpretación de Isabel I en "Shakespeare Enamorado". Ocho minutos de trabajo fueron suficientes para que la Academia le entregara el Oscar a la mejor actriz de reparto. La casualidad hizo que en la misma ceremonia dos actrices fueran candidatas al Oscar por interpretar a Isabel I, Judi Dench en el apartado de mejor actriz de reparto y Cate Blanchett en el apartado de mejor actriz.

- Helen Mirren al mismo tiempo que recogía galardones por interpretar a Isabel II de Inglaterra en "The Queen", recibía premios por interpretar a Isabel I en la miniserie británica "Elizabeth I". Esta miniserie de dos episodios gozó de gran éxito de crítica y público, se centraba en las relaciones que mantuvo con el Conde de Leicester, interpretado por Jeremy Irons, y con el conde de Essex, al que dio vida Hugh Dancy.

- Para finalizar señalar que en varias ocasiones Isabel I ha sido interpretada por hombres, como por ejemplo John Cleese, pero hay destacar el trabajo que hizo en "Orlando" el artista multidisciplinar e icono gay, Quentin Crisp

Como siempre que es posible, les dejo unos vídeos:




Espero que les guste y pasen una feliz y hermosa semana.