Joyas de arcilla polimérica

Vuelvo a este blog con ilusión y fuerzas renovadas. Estoy contenta porque todos los jabones han ido desapareciendo de las estanterías, camino a manos que espero los disfruten.

Y ahora es tiempo de seguir adelante, de volver a crear fórmulas. Pero no todo es jabón, también tenía ganas de tener algo de tiempo para publicar en este pequeño espacio.

Así que empiezo con una artista que acabo de conocer y me tiene atrapada con los trabajos de Joyería Contemporánea que realiza, se llama Ana Belchí. La joyería ha sido desde tiempos antiguos un arte muy apreciado, ya que requiere imaginación, habilidad y buen gusto.

Pasen y vean:

Ana Belchí realiza gran parte de sus joyas con arcilla polimérica (conocida habitualmente como Fimo, que es una de las marcas que la comercializa). Tal y como nos comenta en su página www "La arcilla polimérica es un material que se crea en la Alemania de los años 30 para la elaboración artesanal de muñecas. Actualmente su uso se ha extendido por todo el mundo, siendo EE.UU., Gran Bretaña y Alemania los pioneros en el manejo de este novedoso material.Su versatilidad permite usarlo en numerosos campos artísticos, siendo la joyería el más destacado de todos."

Personalmente he trabajado este material, y aunque aparentemente es de fácil manejo, no se encuentran fácilmente personas que dominen la técnica y el acabado.

Si además son piezas combinadas con metales como la plata, el trabajo es doblemente delicado. Por eso he querido presentarles estas joyas tan hermosas, que solo son un pequeño ejemplo de la maestría de Ana.



Si desean disfrutar de sus diseños en directo, en la Galería Rosa Sender de Valencia (España).



Espero que les guste.



Saludos y hasta pronto.

Feliz Navidad

A todas las personas que en algún momento han pasado por este blog,
a los seguidores habituales, a los que ya considero amigos...


FELIZ NAVIDAD


Pronto estaré de vuelta en este espacio.



"La Adoración de los Reyes Magos" Filippo Lippi (1496 - Óleo sobre tabla)



Que en el año 2012 ocurran muchas cosas que nos hagan sentir mejor.






Hasta pronto.

Fotografías de difuntos

Hace poco leí un post en un blog en el que hablaban de fotografías de difuntos, una "tradición" que tal vez ahora nos resulta extraña y macabra, pero que no lo era. Así que me puse a pasear por la red intentando recopilar información.

Actualmente la tecnología nos ayuda a tener imágenes de los seres queridos de forma fácil y rápida. La mayoría de nosotros tenemos cientos de fotografías o vídeos de nuestros familiares. Pero antes no era así, de tal forma que el nacimiento de la fotografía dio la oportunidad de poder conservar un recuerdo de sus difuntos, una imagen con la que perpetuar su recuerdo. Es muy difícil para la gente en los tiempos modernos entender el concepto de post-mortem de fotografía, a no ser que se trate de testimonios de guerras, holocaustos, hambrunas o de personas famosas. En los días antes de Polaroids, cámaras de vídeo y fotografías digitales, las familias que deseaban preservar la memoria de sus seres queridos tenían solo las fotografías. Lo que comenzó como simples fotos de sus seres queridos fallecidos poco a poco se convirtió en una embarcación de diseño propio, con la puesta en escena, iluminación, decoración, lo que representa, y otras cualidades de la producción que a menudo parecía un segundo funeral en sí mismo. La práctica finalmente se desvaneció en popularidad en la primera parte del siglo 20.

Al mirar estas imágenes, hágalo con respeto, y dentro de su contexto. Estas fueron personas que vivieron , con las familias que los amaban, y su decisión de hacer esto fue por amor ... Algunos tenían dinero para contratar a un fotógrafo profesional, algunos tenían poco dinero para nada. Simplemente ponían sus esfuerzos por preservar la memoria de alguien que ellos apreciaban dada la tecnología que tenían. En pintura, han sido muchos las épocas y autores que han utilizado el tema de la muerte, ya hablamos de eso en este blog.. Sin embargo, un muerto pintado es, creo yo, mucho más distante que un muerto fotografiado.

La Fotografía de Difuntos fue una práctica "muy" extendida en el siglo XIX. Básicamente, consistía en vestir a un cadáver recién difunto con sus ropas personales y participarlo de un último retrato grupal, con sus compañeros, familiares, amigos, o retratarlo individualmente.
Los difuntos, por otra parte, eran sujetos ideales para el retrato fotográfico, por los largos tiempos de exposición que requerían las técnicas del siglo XIX. En la toma de daguerrotipo la exposición seguía siendo tan larga que se construían soportes disimulados para sostener la cabeza y el resto de los miembros de la persona que posaba evitando así que ésta se moviera.
Las fotografías de difuntos los muestran "cenando" en la misma mesa con sus familiares vivos, o bebés difuntos en sus carros junto a sus padres, en su regazo, o con sus juguetes; abuelos fallecidos con sus trajes elegantes sostenidos por su bastón.
A veces, agregaban elementos icónicos -como por ejemplo una rosa con el tallo corto dada vuelta hacia abajo, para señalar la muerte de una persona joven, relojes de mano que mostraban la hora de la muerte, etc.
Angelitos era la forma en que en el siglo XIX se conocía a las fotografías post mortem de niños, teniendo en cuenta la gran cantidad de estas por el alto índice de mortalidad infantil de dicha época, dado por los escasos recursos médicos en esos tiempos entre otras cosas. Una familia común sumaban entre 8 y 10 hijos de los cuales solían fallecer la mitad.
Tomando en cuenta ese contexto, las fotografías del niño fallecido junto a sus padres y/o hermanos estaban comprensiblemente aceptadas. En la cultura religiosa católica de América los niños que morían sin pecado original por haber sido bautizados y sin ningún otro pecado en vida, iban directamente al cielo para convertirse en Angelitos, en cambio, los que no habían sido bautizados eran enterrados con los ojos abiertos para que pudiesen ver la gloria del señor. (Fuente: PDD)

Era común maquillar al cadáver y colocarlo en poses que simularan vida (vistas hoy, muchas de esas fotos pueden herir la sensibilidad y llegan a asustar a quienes descubren que están mirando personas muertas). También se colocaba a la familia en torno al fallecido como si se tratara de un retrato común. Recuerda que esta foto podía representar la oportunidad de una vida de inmortalizar a toda la familia junta.

Estas fotos, conocidas como “fotografías post-mortem” se realizaban pocas horas después del fallecimiento de la persona. Este género se hizo muy popular entre las personas entregadas con fervor al misticismo religioso. Tanto fue así que surgieron los fotógrafos especializados en este tipo de trabajo. Era tanta la demanda que estos fotógrafos llegaban a atender varios encargos en un mismo día. Estos profesionales se volvían expertos a la hora de recrear situaciones en que el difunto se viera vivo y preservarlo así ante la vista de todos. El fotógrafo tenía plena libertad creativa. Después de todo, se trataba del último homenaje al ser querido.

En Estados Unidos y Europa la demanda por estas fotografías llegó a aumentar el precio del trabajo por lo costoso de los desplazamientos y la urgencia en tomarlas (existen ejemplares que se tomaron hasta 10 días después del fallecimiento). Al principio se utilizaba la postura de dormido para reflejar el “eterno descanso”, pero se sustituyó por el acto de simular que estaban vivos, así que les abrían los ojos y los acomodaban en diferentes poses. Con la ayuda del maquillaje se llegaron a crear fotos sorprendentes en unos casos y patéticas en otros. Como se situaba la cámara a la altura del rostro, el daguerrotipo resultaba muy crudo así que se fueron añadiendo detalles como flores y otros adornos.

Esta costumbre llegó hasta mediados del siglo 20. Cayó en desuso por la difusión de las nuevas cámaras que permitían tomar fotografías de personas vivas con un resultado más agradable para la sociedad.

Debo hacer referencia al la página The thanatos Archive, un archivo fotográfico que se remonta a fotografías de 1840. Dicho archivo está localizado en EEUU, en la ciudad de Seatle.

Si desean ampliar la información, lean el siguiente enlace.

Hoy existe en los Estados Unidos una organización llamada Now I Lay Me Down to Sleep que ofrece los servicios de fotógrafos voluntarios para realizar fotografías de fetos nonatos desde 25 semanas de gestación y niños fallecidos para que sus padres cuenten con un recuerdo grafico de su corta existencia. Sorprendente.

Hay un artículo muy curioso sobre la figura de William H. Mumler, el llamado Fotógrafo de los Muertos, en realidad un timador que se hizo muy popular y cuya historia está reflejada en varios libros.

También Fotografía post mortem en el Perú del siglo XIX. Y La vida fugaz de la fotografía mortuoria: Notas sobre su surgimiento y desaparición, un texto de Luis Ramírez Sevilla, muy interesante, también Con la muerte en el álbum, de Diego Fernando Guerra.

Fuentes: Wikipedia, The thanatos archive, PDD,

También hoy dos vídeos, pero si son ustedes especialmente sensibles al tema del que he hablado hoy, no lo vean. Se trata de una serie de fotografías como las que he mostrado anteriormente.





Saludos y hasta pronto.

La magia del papel maché

Hoy estoy contenta, porque les voy a hablar de unos creaciones que me encantan.

Se trata de los trabajos de papel maché de Syf.

Sigo su blog desde hace mucho tiempo, y cada vez que lo visito me sorprende con unos trabajos que han ido evolucionando y perfeccionándose con el paso de los años. Además, si visitan su blog, podrán ver el paso a paso de algunas creaciones e incluso algún tutorial que les puede interesar.

Miren qué cosas tan bonitas hace:






























Si desean conocer a otra creadora de papel maché, visiten, entre otras, las páginas de Ellen Carlier, Mier también muy interesantes.

Hay muchos artistas en el mundo que se dedican a modelar con papel maché, la historia de esta técnica es curiosa (el texto siguiente pertenece a arteazul):

El arte de trabajar la pasta de papel se desarrollo en Persia y en India. Con la pasta de papel se hacia objetos útiles como bandejas, juguetes, etc... Muchos de estos objetos se conservan todavía. Esta técnica se introdujo en Europa gracias a los comerciantes venecianos . Durante el siglo XVII, donde surgió una autentica industria de cajas de papel. Estas cajas fueron las famosas "cajitas de râpé" .
La técnica de esta época era demasiada lenta y costosa. El papel rasgado se ablandaba al calor, se remojaba en agua, y luego se moldeaba en formas de madera y se saturaba de aceite de linaza. Se añadían capas de pasta mezclada con arcilla roja, con hollín y con aceite. Después del secado, el objeto se pulía y lacaba. En 1722 el escocés Henry Clay obtuvo una patente para la fabricación en pasta de papel de muebles, puertas, lámparas etc...
A mediados del siglo XIX, el papel mâché se utilizo mucho en Inglaterra y en Francia. La idea de vaciar la pasta de papel con pegamento en moldes es una idea inglesa y data mas o menos de 1820.Joshua Bettridge de Birmingham fue el mas famoso fabricante de muebles en papel mâché, exporto sus muebles en el mundo entro. En la misma época, en Francia, Pierre Adt abre una fabrica. Se especializa en la fabricación de objetos de arte para la mesa, ( cestas para el pan, bandejas, cajitas, etc...) Los objetos y muebles de papel mâché que provienen de esta época son raros de hallar en el mercado de las antigüedades, y por eso desconocidos, solo los aprecian los iniciados la mayoría de ellos coleccionistas.
En algunas regiones de los Estados Unidos la pasta de papel fue hasta 1900 objeto de un artesanado familiar. Ahora la pasta de papel tiene un sitio relevante en el Arte y esta al alcance de cualquier persona que tenga la inquietud de crear algún objeto con sus manos...
Espero que les guste.

Buen otoño para todos

Arcimboldo, "La cocina en otoño"

Dicen que el otoño es triste... pero sinceramente creo que no tiene porqué serlo.
Es una cuestión de actitud ante las cosas. El otoño es una estación más, en la que podemos encontrar cosas tan buenas como en cualquier otra.

Estamos en la época de las granadas, las uvas, brevas e higos, caquis, perras y manzanas. Se empiezan a caer las hojas y los días son más cortos, ya no hace tanto calor para salir a la calle. Nos vamos acostumbrando a la rutina después del caótico verano... Es tiempo de pensar en que hacer durante el invierno. No nos quedaremos hibernando como los osos.

Podemos encontrar muchos motivos para disfrutar de estos cambios de estación, poco a poco, cada uno a nuestra manera, los iremos encontrando.

Desde este rincón damos la bienvenida al otoño con un clásico: Vivaldi, y unas imágenes que espero que les gusten.

Feliz otoño, y buen fin de semana para todos.

Gustav Klimt, pintor de mujeres

El beso (detalle)



El beso

Seguro que muchos de ustedes habrásn visto este cuadro alguna vez. He de reconocer que cuando lo vi por primera vez me pareció un poco confuso. Por una parte parecía un cuadro-objeto decorativo, por otra, un hombre y una mujer pintados al estilo clásico se fundían en un abrazo estrecho... No lo entendí demasiado bien.
Si alguna vez ven un cuadro que les gusta y no lo entienden, es buena señal. El cuadro ha despertado en ustedes una atracción casi irracional, es una sensación maravillosa.

Con el tiempo me di cuenta de que "El beso" de Gustav Klimt era solo uno dentro de su obra excelente, y desde luego no es el que más me gusta, pero eso ahora no importa demasiado.

Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana.

Gustav Klimt, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.

Realizó por ejemplo la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse.

En 1888, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena. La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa.

En 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.

La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas.

Fuente: Artelista

Veamos algunos cuadros del pintor, yo me quedo con "Judith I", un retrato valiente y moderno, desafiante y sensual, obra en la que se refleja perfectamente el estilo de Klimt, en el que fusionó la pintura clásica con las artes decorativas:

Idyle

Retrato de Sonja Knips

Para muchos Gustav Klimt (1862 - 1918) es el genio del Art Nouveau por antonomasia. Sus obras "El beso", "Judith" o "El friso de Beethoven" son conocidas en el mundo entero. Viendo su obra se aprecia su admiración por el mundo femenino, por la anatomía y la expresión. También fue un experto artesano, excelente dorador, decorador y pintor de frescos.

Esperanza II

Amigas

Judith I

Danae

Retrato de Adele Bloch-Bahuer

Música

Auditorium in the Old Burgtheater





Pinturas de las pechinas del Kunst­historisches Museum

El árbol de la vida




El árbol de la vida (detalle)

En el año 2006 se realizó la película "Klimt", interpretada por Malkovich y dirijida por Raoul Ruiz. Pulsen sobre la imagen si desean más información.

Si desean más información bibliográfica, les aseguro que hay muchísimas publicaciones que podrán encontrar aquí.

Como siempre que es posible, un vídeo, espero que les guste:

Hasta pronto, feliz semana.